Introducción:
Paris…considerada la ciudad luz, siempre cautivante por ser cuna de las artes, símbolo del romanticismo, el lujo, el estilo, la moda internacional, donde predomina lo bello.
Fue en Paris donde se desarrolló el estilo artístico Art Deco, alcanzando mayor plenitud y desarrollo en 1920, con gran expansión universal.
Gestor del jazz y el glamour, se le denominó la generación perdida ya que muchos seres humanos murieron durante la Primera Guerra Mundial.
El Art Deco constituyó un antes y un después dentro de la historia del arte siendo una gran fuente de inspiración para el futuro, ya que recibió influencias de movimientos artísticos de los siglos XIX y XX.
Dentro de la figura del Art Deco, cabe destacar que la mujer ocupa un lugar importante en su iconografía, pero el prototipo que se refleja es muy diferente al de épocas anteriores, Se proyecta la imagen de una mujer moderna, atlética, dinámica que rompe con ciertas normas sociales; cabello corto a lo garçonne, fuma, conduce automóvil, se integra y participa de la vida social, y en cierta manera una mujer mucho más liberada. A esta mujer se le denominó: flapper.
El texto “Historia de la Belleza” de Humberto Eco, nos remite al significado de lo bello. Basado en estas teorías, he desarrollado un análisis sobre el Art Decó, cómo se desarrolla, y la influencia de este importante estilo en la estética de la mujer. He elegido:
- Estilo de Vida: Las flappers
- Moda: Coco Chanel
- Joyería: CartierMobiliario: El tocador
- Ilustración: Portadas de Vogue
¿En qué consiste el Art Deco?
Es el estilo artístico que se desarrolló a principios del siglo XX, durante las “entre guerras”, siendo la década de 1920 su período de mayor auge y crecimiento, extendiéndose en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Surgió como una opción diferente al Art Nouveau, quizás como una estética a favor de la maquinización. Afectó todas las formas de diseño: desde las bellas artes, las artes decorativas, la moda, cine, fotografía, medios de transporte, joyería, mobiliario, diseño gráfico e industrial, arquitectura, etc.
Se caracteriza por su heterogeneidad y eclecticismo, influido por otros estilos artísticos dentro de lo que se ha denominado el modernismo; representó el color, el entusiasmo de una época, de una sociedad de cambio, y en una aparente prosperidad. En realidad constituyó el reflejo de una sociedad en ebullición que desde la revolución industrial, y como consecuencia del profundo cambio social y cultural buscaba dar nuevas respuestas llenas de ganas por lo que la vida les pudiera brindar. Fue un grito a la vida ya que superaba los horrores de la Primera Guerra Mundial, y se vuelca a una vida desocupada y hedonista, por ende, los elementos que llevan adelante este nuevo espíritu es la Belle Epoque de los locos años 20, nos muestra una manera de ver y percibir el mundo que fue reflejada perfectamente en la novela El Gran Gatsby, mostrándonos esa visión de la vida y ese estado de ánimo. En un primer momento va a ser un estilo dirigido al servicio de una burguesía industrial, adinerada y enriquecida.
Al Art Deco no se le puede aplicar una definición precisa, ya que recibió una multitud diversa de influencias. Éstas provenían en primer lugar, del mundo de la pintura de vanguardia de los primeros años del siglo XX. Elementos del cubismo, futurismo italiano, el constructivismo, la escuela Bauhaus, son evidentes en este estilo artístico. El Art Deco fue uno de los estilos más universales ya que marcó un antes y un después dentro de la historia del arte.
La popularidad internacional de este estilo se concretó en la exposición de Paris de 1925, titulada “Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales”, sin embargo, el término Art Deco no se utilizó para referirse al estilo hasta la década de 1960, luego de que el arquitecto Le Corbusier escribió sobre la Exposición de Paris.
Resultó siendo un estilo ampliamente universal por lo cual encontramos edificios emblemáticos, por ejemplo, el Chrysler Building en la ciudad de Nueva York. Observamos en su iconografía líneas de zigzag, la simetría, las líneas fraccionadas, la geometrización de las formas.
Flappers: las rebeldes de los años 20’s:
Además de las consecuencias políticas y económicas que produjo La Primera Guerra Mundial, también produjo grandes cambios sociales con un período de liberalismo social. En este contexto surgieron las flappers: una nueva generación de mujeres jóvenes que en la década de 1920, despreciaban cualquier comportamiento moralmente aceptable.
El término flapper se empezó a utilizar en la década de 1910, en el argot del norte de Inglaterra en 1890, este término significaba prostituta.
El fin de la Primera Guerra Mundial, con las mejoras en el transporte transatlántico, el regreso de los hombres al trabajo luego de que las mujeres ocuparan cargos laborales mientras ellos luchaban en la guerra, contribuyeron a que el término se popularizara para denominar a unas mujeres más independientes que buscaban disfrutar la vida sin importarles las reglas sociales, convirtiéndose en moda en ciudades como Paris, Londres, y Nueva York, durante la década de 1920.
El comportamiento de las flappers se consideraba extravagante y desafiante de las convenciones sociales. Eran mujeres jóvenes, rebeldes e independientes que acudían a los clubes nocturnos de jazz, fumaban, bebían alcohol, y en algunos casos consumían drogas. Conducían a gran velocidad, y no dudaban en mantener relaciones sexuales esporádicas, las cuales representaban un escándalo en esa época.
En gran parte su comportamiento era producto de los cambios sociales que se estaban produciendo. Cada vez más, las mujeres estaban descartando sus roles tradicionales defendiendo su independencia y la libertad personal de elección, principalmente en los Estados Unidos que vio cómo las sufragistas habían adquirido el voto para las mujeres en 1920. Las flappers no tenían grandes inquietudes políticas y en muchos casos fueron criticadas y despreciadas por las feministas y sufragistas por su falta de compromiso para adquirir avances sociales que no fueran para su disfrute personal.
Además de su conducta irreverente, las flappers eran conocidas por su estilo influenciado en gran parte por la moda francesa. La imagen que se popularizó fue de una mujer joven, de cabello corto o que llevaba un sombrero tipo parisino, y un vestido corto, justo debajo de la rodilla que permitiese mostrar las piernas al bailar; rechazaron los corset de la época utilizando en cambio corpiños mucho más cómodos que aplanaban los pechos ya que mostrar pechos grandes no se consideraba sofisticado.
A pesar del escándalo que producía su estilo de vida, muchas actrices de la época como Joan Crawford o Norman Shearer, se identificaban como flappers, se crearon dibujos animados como Betty Boop, siendo su protagonista una flapper.
El movimiento flapper supuso un gran impacto en la moral tradicional estadounidense, y con el tiempo se empezó a hablar de la pérdida progresiva en el país de valores morales y éticos.
Luego del crack de la bolsa de valores de Wall Street en 1929, y con la Gran Depresión que atravesó Estados Unidos en los siguientes años, lasflappers empezaron a desaparecer, siendo la década de los 30, mucho más conservadora y que no permitía un comportamiento tan alegre liberal dada la crisis que atravesaba el país.
Moda- Coco Chanel:
El vestuario de esta década reflejaba el espíritu de euforia y extravagancia post guerra. La moda se fue convirtiendo en una forma de vida, los artistas y escritores eran parte de una élite cosmopolita, cualquier cosa exótica estaba de moda.
En los años 20 triunfó el exotismo, el orientalismo místico, el ballet ruso, las flores chinas y japonesas adornaban los textiles. Se usaban las artes orientales, formas y estampados de otras culturas, los diseños combinaban al tiempo telas, pieles y plumas en una sola prenda, por lo cual la principal consigna de la moda Art Deco era el eclecticismo.
Una nueva silueta de esta época fue la, que consistía en una túnica larga bordada sobre una falda aún más larga. Al inicio de los años 20 se evolucionó a vestidos rectos y planos, el cuerpo se convirtió en algo más abstracto, se resaltaban las caderas y la cintura desapareció. Muchas de las prendas más bellas estaban inspiradas en la silueta del kimono japonés.
El Charleston y el Jazz influyeron para el uso de vestidos más cortos, livianos y cuadrados, se usaban plumas, boas, capas y flecos.
Algunas mujeres adoptaron una figura andrógina como forma de liberación contra los conceptos tradicionales y estrictos que prevalecían; comienzan a aparecer siluetas con cabello corto estilo garçonne, vestidas en esmoquin o traje con corbata reivindicando los derechos de la mujer y la igualdad de género, acordes con las manifestaciones de la primera ola del feminismo.
Igualmente se simplificó la ropa interior en una camisola con piernas y fondo, se desechó el corset de hueso de ballena, y se diseñó una faja que servía de liguero.
Las piernas se convierten en el nuevo foco visual, y surge el brassier con varillas.
En cuanto al campo de la moda deportiva, Jean Patou empezó a diseñar jerseys con las líneas de la moda de guerra, su competencia era Coco Chanel.
Los diseñadores de moda se inspiran con muchas cosas que encuentran en su entorno, pero sin lugar a dudas, una de las mayores influencias en la moda es el arte.
De acuerdo a la diseñadora australiana Emma Price, el Art Deco ha cambiado la figura y forma femenina, inspirando a diseñadores como Paul Poiret y Coco Chanel para crear indumentarias que enaltecen la vida de las mujeres.
Al analizar las esculturas de la década de 1920 y a Coco Chanel, observamos que estas esculturas presentan similitudes, las esculturas reflejan elegantes movimientos fluidos de cuerpos curvilíneos, presentes en las prendas diseñadas por Chanel; ella detestaba las incomodidades que al desvestirse causaba el corset, esto la inspiró a diseñar ropa liviana para que la mujer pudiese moverse y bailar libremente. Por consiguiente, diseñó el icónico “Ribbon Dress” el cual era un ejemplo perfecto del acercamiento de la moda con la mujer de esa mujer libre de la época de 1920, este diseño lo podemos observar en la película El Gran Gatsby.
Vionnet fue una de las casas de moda que se destacó en los años 20, se inspiraba en las formas geométricas, y dotaba a sus creaciones de un estilo que prescindía de la androginia; su revolucionaria invención del corte al bies permitió el diseño de prendas que se adherían al cuerpo femenino como una segunda piel.
Actualmente la presencia del estilo Art Decó adorna las vitrinas y pasarelas de moda, un ejemplo son las pasarelas Gucci SS 2012, y Cavalli SS 2014.
Joyería – Cartier:
El estilo Art Deco tuvo gran influencia en la joyería, precisamente por dedicarse especialmente al ornamento. Los joyeros de la época descartaron los colores pasteles que predominaban en los diseños del Art Noveau, optando por colores vibrantes como el verde, azul, rojo, negro; utilizaron gemas como rubíes, zafiros, ónices, esmeraldas, corales diamantes. Los que se inclinaron por el blanco y el negro, transformaron los diamantes y el platino de la era Eduardiana, en piezas elegantes y sofisticadas con formas geométricas. En cuanto a la talla de gemas, se dieron formas nunca antes vistas, lo cual contribuyó para enfatizar el carácter simétrico de este estilo.
Los orfebres se adaptaron a los diseños de la moda creando diseños para ser utilizados con los vestidos sin mangas, que invitaban a lucir pulseras y brazaletes en la parte superior del brazo.
Los novedosos cortes de cabello corto permitieron incorporar en esta estética los aigrettes, las características vinchas decoradas con una pluma al frente, e igualmente los aros colgantes.
La firma Mikimoto desarrolla el cultivo de las perlas debido al incremento de la popularidad de las perlas que se utilizaban en aquellos collares largos con dos vueltas, que se llevaban en la espalda.
Los accesorios que hacen furor son las cigarreras, polveras, y minaudieres –los cuales consistían en una especie de neceser femenino con compartimientos-, todos fabricados en oro combinado con esmaltes, o inclusiones de placas de corales, ónices, lapislázuli, diamantes engarzados y malaquita, convirtiéndose en superficies ideales para plasmar las figuras geométricas características del Art Deco.
Otra de las piezas distintivas fue el broche doble-clip, que se separaba en dos mitades idénticas para ser utilizadas en la solapa, o en lados opuestos de un escote.
Algunos diseñadores reconocidos fueron Gérard Sandoz, Jean Dunand, Jean Després, etc.
El estilo guirnalda triunfa en todo el mundo, pero esto no impide que Louise Cartier y sus diseñadores aventuren en busca de innovaciones; desde los primeros años del siglo XX y con la estilización geométrica con combinaciones audaces de colores, hacen del joyero un precursor de este estilo.
Amante de las líneas sobrias, Cartier no tarda en pasar de la estilización a la más pura abstracción geométrica. Durante las siguientes décadas, Cartier seduce con sus joyas que son de la más pura arquitectura y completamente alejadas de la figuración.
Los diseños de las casas Cartier y Van Cleef & Arpels permanecen vigentes en el mercado mundial, estas joyerías se adaptaron al Art Deco creando diseños que sirvieron como base para los diseños actuales.
Mobiliario – El Tocador:
El tocador es de las pocas piezas del mobiliario que logra revelar más allá sobre nuestras actividades de ocio, gusto popular, y costumbres sociales. Mucho más que una exquisita pieza de diseño artesanal, el tocador logra trasmitir declaraciones extensas sobre clase y cultura; es un símbolo envuelto frecuentemente en nociones de belleza, amor y vanidad.
Aquel viejo impulso que nos conduce a ser atractivo o a estar a la moda, informa y vivifica la larga historia del diseño del tocador, al igual que los objetos asociados al toilette, el ritual en el cual el tocador alcanzaba popularidad en cuanto a elegancia y sofisticación. La historia del tocador inicia con una caja, y no con la tradicional mesa. Desde tiempos remotos, y a través de varias culturas se han elaborado cajas ornamentadas con el fin de guardar una variedad de parafernalia embellecedora que incluye frascos para cosméticos, matraces para perfumes raros o aceites exóticos, implementos para la aplicación del maquillaje, y espejos. Por mencionar un ejemplo, las cajas egipcias para almacenamiento eran decoradas con una gama de materiales tales como el alabastro, madera, marfil, bronce, entre otros; decorados y pintados con sofisticados patrones geométricos, eran destinados para exhibir, o como indicadores de rango.
Ese pasado lejano fue la inspiración, pero el tocador se remonta a Europa, especialmente a Francia e Inglaterra a finales del siglo XVII, cuando las clases más altas de la sociedad de entonces, adquirieron la costumbre de encargar lujosos mobiliarios a artesanos y fabricantes de muebles.
Debido a la creciente competencia de otras naciones europeas y extranjeras, los franceses buscan restaurar parte del brillo de su industria nacional de diseño al proponer otra feria mundial que se llevaría a cabo en Paris, en el año 1914.
Ante el desenlace de la Primera Guerra Mundial, la histórica Exposición Internacional de Artes Modernas Decorativas e Industriales, finalmente fue inaugurada en 1925 consolidando aún más lo que actualmente denominamos el estilo Art Deco francés, el cual cambió para siempre el arte y el diseño del siglo XX. El tocador fue una pieza esencial en el repertorio del diseñador Art Deco, y tanto en Europa y América se convirtieron en emblema de modernidad, lujo y glamour.
Ilustración: Portadas de la revista Vogue:
A finales del siglo XIX, Toulouse- Lautrec elevó el cartelismo a la categoría de arte, y fue a partir de ese momento que el diseño gráfico y la ilustración se convirtieron en el medio predilecto de una creciente publicidad. Es el punto de partida para que el diseño gráfico se convierte en un medio de experimentación para las nuevas tendencias artísticas, de entre las cuales, el Art Deco tendrá un papel relevante.
Dentro del auge del diseño gráfico como instrumento de comunicación publicitaria, tendrá gran importancia el desarrollo de la revista de moda, la cual se convertirá en un gran instrumento de unión entre arte y moda, ya que fueron muchos los artistas de gran calidad los encargados de ilustrar sus portadas, tales como: Eduardo García Benito, Cassandre, Erté, Boutet, Lepape, por mencionar algunos.
La revista Vogue fue creada en 1892, sin embargo, fue solo hasta 1909 cuando el joven empresario Condé Naste se hizo cargo de este medio dedicado a la aristocracia de Nueva York, convirtiéndola en la revista más glamorosa del siglo XX.
Su éxito se ha basado en el tratamiento de algunos temas que, si pueden parecer banales, a la fecha se mantienen en primera fila: La moda, el lujo, la vida social y el diseño.
Durante el periodo de 1916 hasta 1932, las portadas de la edición inglesa son ocupadas por magníficas ilustraciones diseñadas con todas las características del arte de vanguardia del momento, tales como líneas estilizadas y elegantes, manchas, colores planos, composiciones geométricas, y tipografías expresivas.
Entre los años 20 y 40 del siglo XX, se produjo un cambio radical en el papel de la mujer en la sociedad. Las revistas de moda contribuyeron en mostrar esta liberación de la mujer.
Coincidiendo con la estética Art Deco, las portadas de la revista Vogue representan de manera constante a “la mujer moderna”, con una figura elegante, ataviada con los complementos de la moda del momento: sombreros, boquillas, collares, bufandas, entre otros. Es una mujer que fuma, que se preocupa por su aspecto, hace deporte y posa despreocupadamente junto a lujosos coches de la época, o en paisajes y lugares exóticos.
Estas ilustraciones no representan el cuerpo estilizado de manera natural, sino un modelo idealizado o fantasioso. Las proporciones son anatómicamente incorrectas, con la intención de crear figuras tubulares y de líneas elegantes.
En 1932 fue publicada la primera portada con imagen fotográfica, a partir de 1940 el uso de la fotografía ya era generalizado dejando atrás aquellas ilustraciones que retrataron una época glamorosa y creativa.
Conclusión:
Dentro de los diferentes estilos artísticos y escuelas, el Art Deco es considerado como uno de los más importantes, representativos de la época, como una de las muestras más grandes de la modernidad humana, y símbolo de glamour.
El Art Deco se interesó y especializó principalmente por el desarrollo de las líneas rectas y las figuras geométricas. Su significación gira en torno al progreso, al ordenamiento, la ciudad, lo urbano, y la maquinaria.
El punto álgido fue el período entre las dos Guerras Mundiales, y unió a todas las artes (decorativas, gráficas, arquitectura, joyería, escultura, pintura, cine, moda, etc.)
Influyó en la cultura de su tiempo guiando a la estética hacia nuevas y revolucionarias direcciones. El diseño industrial, la moda, o la tipografía no serían iguales sin este movimiento.
Elegante, funcional y modernista, fue un avance frente al Art Nouveau; con un estilo opulento, su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.
Finalmente, el estilo caería en decadencia debido a las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.
Referencias:
“Historia de la Belleza”, Humberto Eco
https://www.documentalium.com/2015/02/flappers-las-rebeldes-de-los-anos-20.html
http://www.yourguidetostreetfashion.com/1920s-the-era-of-art-deco-and-coco-chanel/
http://gestioninformacion.idec.upf.edu/~i76360/moda.html
http://www.estilojoyero.com.ar/secciones-de-la-revista/historia/52-el-estilo-art-deco
Vanities Art of the dressing table – Jane Adlin